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Lucio Fontana. "Concepto spaziale", 1965. China ink on paper. Dimensions: 30 x 20 cm. with certificate. This is a preparatory work that is represented in this picture on a double face, that is, the front and the back. It was acquired in Rome, at the art gallery "Il Segno". Good conditions. Lucio Fontana (Italian: 9 February 1899 – 7 September 1968) was an Argentine-Italian painter, sculptor and theorist. He is mostly known as the founder of Spatialism. Born in Rosario, province of Santa Fe, Argentina to Italian immigrant parents, he was the son of the sculptor Luigi Fontana (1865 — 1946). Fontana spent the first years of his life in Argentina and then was sent to Italy in 1905, where he stayed until 1922, working as a sculptor with his father, and then on his own. Already in 1926, he participated in the first exhibition of Nexus, a group of young Argentine artists working in Rosario de Santa Fé. In 1927 Fontana returned to Italy and studied alongside Fausto Melotti under the sculptor Adolfo Wildt, at Accademia di Brera from 1928 to 1930. It was there he presented his first exhibition in 1930, organized by the Milan art gallery Il Milione. During the following decade he journeyed in Italy and France, working with abstract and Expressionist painters. In 1935 he joined the association Abstraction-Création in Paris and from 1936 to 1949 made Expressionist sculptures in ceramic and bronze. In 1939, he joined the Corrente, a Milan group of Expressionist artists. In 1940 he returned to Argentina. In Buenos Aires (1946) he founded the Altamira academy together with some of his students, and made public the White Manifesto, where it is stated that "Matter, colour and sound in motion are the phenomena whose simultaneous development makes up the new art". In the text, which Fontana did not sign but to which he actively contributed, he began to formulate the theories that he was to expand as Spazialismo, or Spatialism, in five manifestos from 1947 to 1952. Upon his return from Argentina in 1947, he supported, along with writers and philosophers, the first manifesto of spatialism (Spazialismo)**. Fontana had found his studio and works completely destroyed in the Allied bombings of Milan, but soon resumed his ceramics works in Albisola. In Milan, he collaborated with noted Milanese architects to decorate several new buildings that were part of the effort to reconstruct the city after the war. Following his return to Italy in 1948 Fontana exhibited his first Ambiente spaziale a luce nera ('Spatial environment') (1949) at the Galleria del Naviglio in Milan, a temporary installation consisting of a giant amoeba-like shape suspended in the void in a darkened room and lit by neon light. from 1949 on he started the so-called Spatial Concept or slash series, consisting in holes or slashes on the surface of monochrome paintings, drawing a sign of what he named "an art for the Space Age". He devised the generic title Concetto spaziale ('spatial concept') for these works and used it for almost all his later paintings. These can be divided into broad categories: the Buchi ('holes), beginning in 1949, and the Tagli ('slashes'), which he instituted in the mid-1950s. Fontana often lined the reverse of his canvases with black gauze so that the darkness would shimmer behind the open cuts and create a mysterious sense of illusion and depth. He then created an elaborate neon ceiling called "Luce spaziale" in 1951 for the Triennale in Milan. In his important series of Concetto spaziale, La fine di Dio (1963–64), Fontana uses the egg shape. with his Pietre (stones) series, begun in 1952, Fontana fused the sculptural with painting by encrusting the surfaces of his canvases with heavy impasto and colored glass. In his Buchi (holes) cycle, begun in 1949–50, he punctured the surface of his canvases, breaking the membrane of two-dimensionality in order to highlight the space behind the picture. from 1958 he purified his paintings by creating matte, monochrome surfaces, thus focusing the viewer's attention on the slices that rend the skin of the canvas. In 1959 Fontana exhibited cut-off paintings with multiple combinable elements (he named the sets quanta), and began Nature, a series of sculptures made by cutting a gash across a sphere of terracotta clay, which he subsequently cast in bronze. Fontana engaged in many collaborative projects with the most important architects of the day, in particular with Luciano Baldessari, who shared and supported his research for Spatial Light – Structure in Neon (1951) at the 9th Triennale and, among other things, commissioned him to design the ceiling of the cinema in the Sidercomit Pavilion at the 21st Milan Fair in 1953. Around 1960, Fontana began to reinvent the cuts and punctures that had characterized his highly personal style up to that point, covering canvases with layers of thick oil paint applied by hand and brush and using a scalpel or Stanley knife to create great fissures in their surface. In 1961, following an invitation to participate along with artists Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis, and others in an exhibition of contemporary painting entitled "Art and Contemplation", held at Palazzo Grassi in Venice, he created a series of 22 works dedicated to the lagoon city. He manipulated the paint with his fingers and various instruments to make furrows, sometimes including scattered fragments of Murano glass. Fontana was subsequently invited by Michel Tapié to exhibit the works at the Martha Jackson Gallery in New York. As a consequence of his first visit to New York in 1961, he created a series of metal works, done between 1961 and 1965. The works consisted of large sheets of shiny and scratched copper, pierced and gouged, cut through by dramatic vertical gestures that recall the force of New York construction and the metal and glass of the buildings. Among Fontana's last works are a series of Teatrini (‘little theatres’), in which he returned to an essentially flat idiom by using backcloths enclosed within wings resembling a frame; the reference to theatre emphasizes the act of looking, while in the foreground a series of irregular spheres or oscillating, wavy silhouettes creates a lively shadow play. Another work from that time, Trinità (Trinity) (1966), consists of three large white canvases punctuated by lines of holes, embraced in a theatrical setting made from ultramarine plastic sheets vaguely resembling wings. In the last years of his career, Fontana became increasingly interested in the staging of his work in the many exhibitions that honored him worldwide, as well as in the IDEA of purity achieved in his last white canvases. These concerns were prominent at the 1966 Venice Biennale, for which he designed the environment for his work. At Documenta IV in Kassel in 1968, he positioned a large, plaster slash as the centre of a totally white labyrinth, including ceiling and floor (Ambiente spaziale bianco). Shortly before his death he was present at the "Destruction Art, Destroy to Create" demonstration at the Finch College Museum of New York. Then he left his home in Milano and went to Comabbio (in the province of Varese, Italy), his family's mother town, where he died in 1968. .
Lucio Fontana. "Concetto spaziale", 1965. Inchiostro di china su carta. Dimensioni: 30 x 20 cm. con certificato. Si tratta di un lavoro preparatorio che in questa immagine è rappresentato su una doppia faccia, cioè il fronte e il retro. È stato acquistato a Roma, presso la galleria d'arte "Il Segno". Buone condizioni. Lucio Fontana (9 febbraio 1899 - 7 settembre 1968) è stato un pittore, scultore e teorico italo-argentino. È noto soprattutto come fondatore dello Spazialismo. Nato a Rosario, provincia di Santa Fe, Argentina, da genitori italiani immigrati, era figlio dello scultore Luigi Fontana (1865-1946). Fontana trascorse i primi anni di vita in Argentina e poi fu inviato in Italia nel 1905, dove rimase fino al 1922, lavorando come scultore con il padre e poi da solo. Già nel 1926 partecipa alla prima mostra di Nexus, un gruppo di giovani artisti argentini che opera a Rosario de Santa Fé. Nel 1927 Fontana torna in Italia e studia con Fausto Melotti sotto la guida dello scultore Adolfo Wildt, all'Accademia di Brera dal 1928 al 1930. Qui presenta la sua prima mostra nel 1930, organizzata dalla galleria d'arte milanese Il Milione. Nel decennio successivo viaggia in Italia e in Francia, collaborando con pittori astratti ed espressionisti. Nel 1935 entra a far parte dell'associazione Abstraction-Création di Parigi e dal 1936 al 1949 realizza sculture espressioniste in ceramica e bronzo. Nel 1939 si unisce a Corrente, un gruppo milanese di artisti espressionisti. Nel 1940 torna in Argentina. A Buenos Aires (1946) fonda l'Accademia di Altamira insieme ad alcuni suoi studenti e rende pubblico il Manifesto Bianco, dove si afferma che "Materia, colore e suono in movimento sono i fenomeni il cui sviluppo simultaneo costituisce la nuova arte". Nel testo, che Fontana non firmò ma al quale contribuì attivamente, iniziò a formulare le teorie che avrebbe ampliato come Spazialismo, o Spatialismo, in cinque manifesti dal 1947 al 1952. Al suo ritorno dall'Argentina, nel 1947, sostenne, insieme a scrittori e filosofi, il primo manifesto dello spazialismo (Spazialismo)**. Fontana aveva trovato il suo studio e le sue opere completamente distrutte nei bombardamenti alleati su Milano, ma presto riprese la sua attività di ceramista ad Albisola. A Milano, collabora con noti architetti milanesi per decorare diversi nuovi edifici che fanno parte dello sforzo di ricostruzione della città dopo la guerra. Dopo il suo ritorno in Italia, nel 1948, Fontana espone alla Galleria del Naviglio di Milano il suo primo Ambiente spaziale a luce nera (1949), un'installazione temporanea costituita da una gigantesca forma simile a un'ameba sospesa nel vuoto in una stanza buia e illuminata da una luce al neon. A partire dal 1949 inizia la cosiddetta serie del Concetto spaziale o slash, che consiste in buchi o fenditure sulla superficie di dipinti monocromi, tracciando il segno di quella che definisce "un'arte per l'era spaziale". Per queste opere ha ideato il titolo generico di Concetto spaziale, che ha utilizzato per quasi tutti i suoi dipinti successivi. Questi ultimi possono essere suddivisi in grandi categorie: i Buchi, che iniziano nel 1949, e i Tagli, istituiti a metà degli anni Cinquanta. Fontana spesso foderava il retro delle sue tele con una garza nera, in modo che l'oscurità brillasse dietro i tagli aperti e creasse un misterioso senso di illusione e profondità. Nel 1951 crea un elaborato soffitto al neon chiamato "Luce spaziale" per la Triennale di Milano. Nella sua importante serie di Concetto spaziale, La fine di Dio (1963-64), Fontana utilizza la forma dell'uovo. Con la serie Pietre, iniziata nel 1952, Fontana fonde la scultura con la pittura incrostando le superfici delle sue tele con pesanti impasti e vetri colorati. Nel ciclo Buchi, iniziato nel 1949-50, buca la superficie delle tele, rompendo la membrana della bidimensionalità per evidenziare lo spazio dietro il quadro. Dal 1958 purifica i suoi dipinti creando superfici opache e monocromatiche, concentrando così l'attenzione dello spettatore sulle fette che squarciano la pelle della tela. Nel 1959 Fontana espone quadri tagliati con elementi multipli combinabili tra loro (chiama gli insiemi quanti) e inizia la serie di sculture Nature, realizzate incidendo uno squarcio su una sfera di terracotta, che successivamente fonde in bronzo. Fontana intraprende numerose collaborazioni con i più importanti architetti dell'epoca, in particolare con Luciano Baldessari, che condivide e sostiene la sua ricerca per Luce spaziale - Struttura al neon (1951) alla IX Triennale e, tra l'altro, gli commissiona il soffitto del cinema del Padiglione Sidercomit alla XXI Fiera di Milano del 1953. Intorno al 1960 Fontana inizia a reinventare i tagli e le perforazioni che avevano caratterizzato il suo personalissimo stile fino a quel momento, ricoprendo le tele con strati di spessi colori a olio applicati a mano e a pennello e utilizzando un bisturi o un coltello Stanley per creare grandi fessure nella loro superficie. Nel 1961, in seguito all'invito a partecipare insieme agli artisti Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis e altri a una mostra di pittura contemporanea intitolata "Arte e contemplazione", tenutasi a Palazzo Grassi a Venezia, realizza una serie di 22 opere dedicate alla città lagunare. Manipolando la pittura con le dita e con vari strumenti, realizza dei solchi, includendo talvolta frammenti sparsi di vetro di Murano. Fontana viene successivamente invitato da Michel Tapié a esporre le opere alla Martha Jackson Gallery di New York. In seguito alla sua prima visita a New York nel 1961, Fontana crea una serie di opere in metallo, realizzate tra il 1961 e il 1965. Le opere consistono in grandi lastre di rame lucido e graffiato, forate e sgorbiate, tagliate da drammatici gesti verticali che richiamano la forza dell'edilizia newyorkese e il metallo e il vetro degli edifici. Tra le ultime opere di Fontana vi è una serie di Teatrini, in cui l'artista torna a un linguaggio essenzialmente piatto utilizzando fondali racchiusi in quinte che ricordano una cornice; il riferimento al teatro enfatizza l'atto del guardare, mentre in primo piano una serie di sfere irregolari o di sagome oscillanti e ondulate crea un vivace gioco di ombre. Un'altra opera di quel periodo, Trinità (1966), è costituita da tre grandi tele bianche punteggiate da linee di fori, abbracciate in una scenografia teatrale fatta di fogli di plastica ultramarina che ricordano vagamente delle quinte. Negli ultimi anni della sua carriera, Fontana si interessò sempre di più all'allestimento delle sue opere nelle numerose mostre che lo onorarono in tutto il mondo, nonché all'IDEA di purezza raggiunta nelle sue ultime tele bianche. Queste preoccupazioni sono state evidenti alla Biennale di Venezia del 1966, per la quale ha progettato l'ambiente per le sue opere. A Documenta IV di Kassel, nel 1968, posiziona un grande squarcio di gesso al centro di un labirinto completamente bianco, compresi soffitto e pavimento (Ambiente spaziale bianco). Poco prima della sua morte è presente alla manifestazione "Destruction Art, Destroy to Create" al Finch College Museum di New York. Poi lasciò la sua casa di Milano e si recò a Comabbio (in provincia di Varese, Italia), paese madre della sua famiglia, dove morì nel 1968. .
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