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Oil on canvas.
The big scene representsa moment of the life of Saint Rocco, the French peregrin and miracle worker that is considered one of the most invoked saints, from the Middle Ages onwards, as the protector from the terrible scourge of the plague and later from all the scourges and catastrophes that afflicted humanity. Even now, in 2020, during the pandemic, the Saint has been the recipient of prayers and invocations to protect from the virus in many Christian communities in the world.
The Saint is pictured during his imprisonment, that will lead him to death, that he underwent in Voghera during his return from Italy to France, with the accusation of espionage because, miserable and tattered, he hadn't been recognized by anyone, and he could not justify his passage through tormented and suspicious lands.
There are many of the iconographic attributes of the Saint in the piece: he is only wearing a cape, the sandals and the buckle that holds his bottle tied to his chest; at his feet, there is the cloak and the cane of the peregrin; on his right, a dog with a piece of bread that, according to the legend, the animal was stealing from the canteen of a rich merchant to feed the sick Saint; on his left thigh you can see the lesion, sign of the illness the struck him.
The piece is attributed to the scope of Lorenzo Lippi (1606-1684), Tuscan artist from 17th century, recognizable from the dry style and inspired by reality, but in particular for the poses and the peculiar anatomical conformations of the figures he painted: you can confront the close correspondence between the angel of this painting and the one in the Sacrifice of Isaac, preserved in Saint Lucia of Montecastello, but even the posture of Isaac, sitting but reclined back with his legs open like Saint Rocco. in a pose that seems to belong to the production of the artist specifically.
We know that the production of Lorenzo Lippi, who was not only a painter but a literatus as well, was almost completely dedicated to the religious and devotional subject, painted not only for the public clientele (city and country Churches), but for private clients as well; even in the production of portraits, that were the reason for his trip to Innsbruck as the Court painter, the subjects of the paintings were often included in sacred scenes.
For centuries, the figure of the artist Lippi had few acknowledgements, and he was criticized for being 'too determined' in remaining faithful to his style, made of a 'pure and simple imitation of nature', as if he was an artist with no creativity and not very inclined to embrace the pictorial novelties introduced in the artistic scene; in particular the flair of the Baroque is missing from his production as well as the adhesion to the taste of the Court of the Medici, based on splendour and the sensuality of the models, remaining tied to the archaisms of the previous century, in particular to the ones of Santi from Tito, to remain close to the religious feeling of the Florentine people and its confraternities.
His compositions, however, respond to the precise balance, both formal and narrational, with scenes lit in a clear manner, with a drawing that is almost from the Renaissance, with plastic postures that highlight the feeling of the character well, with clear characterizations of the faces and the hands, that are always busy in an explicit gestuality, demonstrative of the contents of the scene.
The painting proposed here, already restored and reframed, is presented in a frame in style.
Olio su tela.
La grande scena rappresenta un momento della vita di San Rocco, il peregrino e miracolato francese che è considerato uno dei santi più invocati, dal Medioevo in poi, come protettore dal terribile flagello della peste e più tardi da tutti i flagelli e catastrofi che affliggevano l'umanità. Anche adesso, nel 2020, durante la pandemia, il Santo è stato il destinatario di preghiere e invocazioni di protezione dal virus in molte comunità cristiane del mondo.
Il Santo è raffigurato durante la prigionia, che lo porterà alla morte, che subì a Voghera durante il suo ritorno dall'Italia alla Francia, con l'accusa di spionaggio perché, misero e a brandelli, non era stato riconosciuto da nessuno, e non poteva giustificare il suo passaggio attraverso terre tormentate e sospette.
Nell'opera sono presenti molti degli attributi iconografici del Santo: indossa solo il mantello, i sandali e la fibbia che tiene la sua bottiglia legata al petto; ai suoi piedi, c'è il mantello e il bastone del peregrino; alla sua destra, un cane con un pezzo di pane che, secondo la leggenda, l'animale rubava dalla mensa di un ricco mercante per nutrire il Santo malato; sulla sua coscia sinistra si vede la lesione, segno della malattia che lo colpì.
L'opera è attribuita all'ambito di Lorenzo Lippi (1606-1684), artista toscano del XVII secolo, riconoscibile dallo stile asciutto e ispirato alla realtà, ma in particolare per le pose e le particolari conformazioni anatomiche delle figure da lui dipinte: si può confrontare la stretta corrispondenza tra l'angelo di questo dipinto e quello del Sacrificio di Isacco, conservato in Santa Lucia di Montecastello, ma anche la postura di Isacco, seduto ma reclinato all'indietro con le gambe aperte come San Rocco. in una posa che sembra appartenere specificamente alla produzione dell'artista.
Sappiamo che la produzione di Lorenzo Lippi, che non fu solo pittore ma anche letterato, fu quasi completamente dedicata al soggetto religioso e devozionale, dipinto non solo per la clientela pubblica (chiese cittadine e di campagna), ma anche per committenti privati; anche nella produzione di ritratti, che furono il motivo del suo viaggio a Innsbruck come pittore di corte, i soggetti dei dipinti erano spesso inseriti in scene sacre.
Per secoli la figura dell'artista Lippi ebbe pochi riconoscimenti, e fu criticato per essere 'troppo determinato' nel rimanere fedele al suo stile, fatto di una 'pura e semplice imitazione della natura', come se fosse un artista privo di creatività e poco incline ad abbracciare le novità pittoriche introdotte nel panorama artistico; in particolare manca nella sua produzione l'estro del barocco e l'adesione al gusto della corte dei Medici, basato sullo splendore e sulla sensualità dei modelli, rimanendo legato agli arcaismi del secolo precedente, in particolare a quelli di Santi da Tito, per rimanere vicino al sentimento religioso del popolo fiorentino e delle sue confraternite.
Le sue composizioni, comunque, rispondono a precisi equilibri, sia formali che narrativi, con scene illuminate in modo chiaro, con un disegno che è quasi rinascimentale, con posture plastiche che evidenziano bene il sentimento del personaggio, con chiare caratterizzazioni dei volti e delle mani, che sono sempre impegnate in una gestualità esplicita, dimostrativa dei contenuti della scena.
Il dipinto qui proposto, già restaurato e reinquadrato, è presentato in una cornice in stile.
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